Edward Hopper - den realistiska målaren som inspirerade Hitchcock

Få konstnärer förevigade tidsandan som den amerikanska målaren Edward Hopper. Faktum är att hans mästerverk inspirerade många filmskapare, inklusive Alfred Hitchcock. Fortsätt läsa.

Skriven och verifierad av psykologen Valeria Sabater.

Senaste uppdateringen: 24 april, 2023

Få konstnärer förevigade tidsandan (“zeitgeist”) som den amerikanska målaren Edward Hopper, precis som Hitchcocks filmer återkallade den. Zeitgeist är ett begrepp från tysk filosofi från 1700- till 1800-talet som betyder “tidsandan”. Med etsningar och akvareller, men särskilt med sina oljemålningar, inspirerade Edward Hopper många. Hans geniala verk presenterar filmiska återgivningar av en nation mitt i seismisk övergång.

Han tenderade att fokusera på den byggda miljön. Särskilt när det erbjöd en skarp kontrast mellan pittoresk nostalgi och skimrande modernitet. Hoppers förmåga att ta in sinnesstämningen hos människor är det som gör hans verk unika. Det kopplar dem starkt till optimismen och alienationen i Amerika före och efter kriget. Edward Hopper föddes på landsbygden i Nyack i staten New York 1882.

Han började sin konstnärliga resa som illustratör, brådmoget begåvad och smärtsamt inåtvänd. I övre tonåren anmälde han sig till New York School of the Arts. Under sina skolår övergick han till att måla akvareller och oljor under ledning av Merritt Chase och Robert Henri. Chase och Henri tillhörde båda den tidens ledande impressionister. De ingjöt realism och ett fokus på det osentimentala i Hoppers arbete.

Flera resor till Paris följde, vilket öppnade Hoppers ögon för de stora franska impressionisterna. När han återvände betraktade han den “råa” och “depressiva” livskvaliteten i ett New York City i snabb utveckling. Dessa formande år är oerhört viktiga. Trots allt hävdade Hopper alltid att hans målningar återspeglade en mycket personlig, och ibland fantiserad, upplevelse av världen.

De mest kända verken av Edward Hopper

I denna kontext får de sorgliga och ensamma figurerna som ockuperade hans mest kända verk en djupare psykologisk vikt. Till exempel Nattugglor, Paus, Chop Suey, Eleven AM och Hus vid järnvägen. Det berömda mästerverket Hus vid järnvägen var det första verket som förvärvades av Museum of Modern Art (MoMA). Detta prestigefyllda museum hade då nyligen slagit upp portarna för allmänheten i New York City.

Hopper fångades verkligen av modernitetens tidiga dagar med dess löften om välstånd och framsteg. De driftiga karaktärerna i hans målningar förkroppsligar paradoxala känslor av ensamhet och oro. Hoppers val av miljöer var fängslande, nästan alltid  tröskelutrymmen, varken privata eller publika. Det bidrar ytterligare till den uppenbara känslan av alienation. På ett sätt är dessa målningar set-liknande framställningar av det arketypiskt folkligt amerikanska.

Bland valen finner vi bensinstationer, matställen, motell och biografer. I tillägg kommer förmodligen deras största styrka från det sätt på vilket Hopper använde dessa vardagliga platser. Han transplanterade dem perfekt till sitt eget mentala tillstånd inom dem. Sett på detta sätt kommer Hoppers signaturmärke från de antropomorfa egenskaperna hos hans målningar. De ensamma middagskvällarna, den stoiska fyren, de vakna skyltfönstren och de tysta gathörnen.

Det utbredda användandet av Hoppers visuella språk inom film

Nyckeln till den känslomässiga kraften hos dessa målningar är Hoppers imponerande användning av ljus. Detta influerades starkt av spänningen och dramatiken hos Rembrandt och Degas. Hoppers målningar använder ofta lika dramatiska kompositioner av ljust och mörkt, vilket ökar deras starka känsla av berättelse. Det förklarar säkert det utbredda användandet av hans visuella språk inom film. Speciellt av Alfred Hitchcock, Michelangelo Antonini och David Lynch. Framförallt för Hitchcock var Hoppers verk som en petriskål.

Från denna petriskål kan ett oändligt antal möjliga berättelser växa. Bevis för Hoppers inflytande återfinns överallt i Hitchcocks verk, men särskilt i hans klassiska film Fönstret åt gården från 1954. Kraften i Hoppers målningar ligger i det han väljer att utesluta, och spänningen och skådespelet i Hitchcocks Fönstret åt gården förlitar sig på vad som är dolt eller osynligt.

Ett exempel är parallellerna mellan Hoppers målning Nattfönster från 1928 och filmens karaktär Miss Lonelyhearts. Båda skildrar ensamma, delvis nakna kvinnor i deras egna privata sovrum, och båda utstrålar en känsla av intrång. Viktigast är att de utstrålar en känsla av social isolering trots den täta stadsmiljön. Hoppers målning Eleven AM från 1926 visar också en ensam naken kvinna i sitt eget sovrum.

Automat (1927)

Om ett enda verk kunde sammanfatta Hoppers stämningsfulla användning av ljus, kan det mycket väl vara Automat. Denna målning reflekterar också perfekt hans filmiska känsla av berättelse och orubbliga skildringar av urban isolering. På målningen ser vi en ensam kvinna som sitter vid ett bord och tittar ner i sin kaffekopp. Hon utstrålar en tyst förtvivlan där hon sitter i steril belysning (reflekterad som hängande klot i det svarta fönstret bakom henne) omgiven av opersonliga möbler.

Hon verkar förlorad och på drift i en ogästvänlig omgivning. Från den enda handsken hon bär till hennes kläder, smink, kroppsspråk och ansiktsuttryck. Den här målningen fascinerar många. Med dess rika känsla av karaktär bjöd Hoppers verk in till oändliga spekulationer och tolkningar. Valet av en Automat är uppenbarligen inte någon slump. Denna typ av “automatisk restaurang” blev utbredd i New York från 1912.

Dessutom som en walk-in-varuautomat som gjorde alla behov av mänsklig kontakt överflödiga. Den “automatiska restaurangen” serverar tusentals kunder om dagen med industriell effektivitet. Detta skulle utan tvekan ha bidragit till Hoppers syn på en social struktur vars existens var hotad. Den urholkades långsamt av moderniseringens förstärkande effekter. Liksom Édouard Manet:s Plommon tjänar Automat som en kraftfull symbol för depression. På samma sätt som Edgar Degas Absinten porträtterar det paradoxen med de moderna städernas ensamma människor.

Senare arbete

Senare under hans karriär visades många av hans verk på olika utställningar, nämligen på Whitney Museum. Detta museum var beläget i New York City. 1940-talet var den period då han hade störst kommersiell framgång. Strax därefter, och även under denna tidsperiod, började han tappa viktiga marknadsfördelar. Detta berodde främst på att de nya konstformerna och abstrakta verk började vinna mark i konstvärlden.

Detta stal mycket av uppmärksamheten från hans verk, liksom verken av många kända konstnärer före honom. Visste du att Edward Hopper alltid återvände till flera motiv? Till exempel teman med spänningar mellan individer. Han målade också om konflikten mellan tradition och framsteg, både på landsbygden och i stadsmiljöer.

Konstnärer återvänder alltid till sina favoritteman. Van Gogh målade sina solrosor och Monet sina näckrosor. Hans val av tema, särskilt de platser han målade, verkar ha varit en aning oförutsägbara. De var en del av hans ständiga kamp med den kroniska tristess som ofta kvävde hans lust att måla. Detta var vad som höll Hopper på banan.

Arvet efter Edward Hopper

Idag anser konsthistoriker att Edward Hopper är den mest framstående amerikanska impressionisten tillsammans med Winslow Homer. På 1940- och 1950-talet tappade Hopper mycket uppmärksamhet i kölvattnet av den abstrakta expressionismen. En ny avancerad konströrelse uppstod i början av 1940-talet.

Willem de Kooning, Jackson Pollock och Mark Rothko bröt sig loss från accepterade konventioner. De gjorde monumentalt avskalade verk. De stod som reflektioner av deras individuella psyken och försökte utnyttja universella inre källor.

Edward Hopper målade den känsla som är bekant för de flesta människor: sorg inbäddad i existensen, i vår intima kunskap om vår egen ensamhet. 1900-talet var Sigmund Freuds och den freudianska psykoanalysens storhetstid. Om Hopper hade känt att hans psyke var förvrängt hade han inte velat att det skulle rättas till. Han ville inte manipulera sitt undermedvetna eller sin personliga syn på världen.

Tillsammans med Georgia O’Keeffe har Edward Hopper en exceptionell status. De är två av de mest framstående figurerna i amerikansk konst i början av 1900-talet. Hopper saknade emellertid aldrig dragningskraft. Vid tiden för hans död 1967 sågs Hopper som en stor influens till realistiska konstnärer. Det fanns en ny generation amerikanska realistiska konstnärer.